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PROGRAMA
DE RESIDENCIAS:




El programa de residencias de PAOS invita a artistas (nacionales e internacionales) a vivir y trabajar en el Museo Taller José Clemente Orozco durante 4 semanas.

Este programa ofrece total libertad creativa a lxs artistas y fomenta la permeabilidad del entorno como parte de los procesos de investigación. Cada artista realiza una intervención al Museo Taller José Clemente Orozco, y explora la naturaleza de su propio trabajo frente al contexto artístico actual. Al concluir, hace una apertura de estudio en donde comparte su proceso y resultados al público.

PAOS Residencias se enfoca en el cruce entre producción artística y programas formativos. Lxs artistas residentes desarrollan un proyecto expositivo y también enriquecen el programa educativo a través de talleres, clínicas, charlas o master classes; involucrándose con la comunidad y la escena artística local.



LOCAL
OCTUBRE

HIRAM CONSTANTINO

GRANDES ESPERANZAS

HIRAM
CONSTANTINO

GRANDES ESPERANZAS




Grandes esperanzas fue un proyecto en el cual Hiram buscó reflexionar sobre el papel del trabajo en la sociedad a través de la construcción de piezas a manera de máquinas, mismas que simulan una función pero revelan un concepto abstracto pues el único fin es traer lo intangible de una idea y transformarlo en algo tangible.



Hiram Constantino (Guadalajara, Jalisco, 1987)

Su trabajo se compone por piezas que usan la ficción, la abstracción y lo imaginario para hablar de su contexto con temas que van desde lo social a lo personal, siempre tratando de mantener una narrativa visual dentro de cada serie que trabaja. Actualmente trabaja en proyectos que exploran el dibujo más allá de un medio preparatorio y la poesía visual. Licenciado en Artes visuales por la Universidad de Guadalajara, entre sus exhibiciones destacan muestras dentro de la galería Páramo, el Museo de Periodismo y Artes Gráficas, el Instituto Potosino de Bellas Artes, el Instituto Cultural Cabañas, así como parte de la selección del concurso internacional organizado por LÍA en Guadalajara de libros de artista y Salón ACME en 2015/2016/2017/2018. Individualmente ha expuesto en los espacios independientes Lateral e Interior 2.1 ambos de Guadalajara, Jalisco. Entre los reconocimientos y publicaciones se encuentra el contar con uno de los premio de adquisición en la convocatoria de Arte Joven 2018 y ser parte de los dos catálogos publicados por LÍA de libros de artista, así como contar con un libro de artista en el Center of Book Arts Actualmente becado por parte del PECDA Jalisco. A la par de sus proyectos visuales es profesor de cátedra a nivel profesional. Vive y trabaja en Zapopan, Jalisco, México.

LOCAL
SEPTIEMBRE

LOURDES MARTÍNEZ

LAS POST-MUJERES DE JOSÉ CLEMENTE OROZCO

LOURDES
MARTÍNEZ

LAS POST-MUJERES DE
JOSÉ CLEMENTE OROZCO




Lourdes Martínez realizó aproximaciones estéticas en torno a la monstruosidad de las mujeres retratadas por Orozco y sus relaciones con un supuesto monstruoso partiendo de la figura: de moderna a post-mujer. Marginalidades frente a la idealización política y estética de la mujer en el marco del capitalismo.

Lourdes Martínez (Guadalajara, México)

Actualmente su trabajo se compone a partir de 2 ejes de investigación estética y de reflexión en torno a la imagen y las formas de “monstruosidad” que identifica desde lo cotidiano. Realiza ejercicios de imaginación para buscar formas de creación a partir de especulaciones, recurriendo a la escritura, el dibujo, la pintura, el video, performance y otros medios; advirtiendo que los ejercicios que permiten desprender la imaginación durante sus procesos, debido a la influencia del neoliberalismo sobre la cultura popular latinoamericana, misma que permea naturalmente su producción artística, son canalizados a partir del cuerpo como la herramienta potente de creación humana que es dispuesta a derivas emocionales para mover al cuerpo sin limitarse a atender sólo al lenguaje de los objetos ni a lo que le dicta la metáfora, guiándose por la libertad que tienen los objetos de respirar por sí mismos y, los que tenemos forma humana, la habilidad imaginativa de ser un plumón.

FORÁNEA
AGOSTO

THIAGO MARTINS DE MELO

THIAGO MARTINS
DE MELO





Thiago Martins de Melo desarrolló un proyecto multidisciplinario que adopta como punto de partida el concepto y personaje de “El Cristo Rebelde” retratado por José Clemente Orozco en múltiples de sus composiciones. A través de la disección del personaje y los ideales revolucionarios que representa, Martins de Melo presentó una instalación en la sala principal de la Casa Taller José Clemente Orozco a partir de un diálogo entre diferentes técnicas como la pintura, el video y la escultura.

Thiago Martins de Melo (São Luís, Brasil, 1981)

combina pintura, video e instalación para crear impactantes composiciones a partir de una crítica sociopolítica que se distingue por su dialéctica y uso de metáforas. Enriquecidas por simbolismos y yuxtaposiciones tanto materiales como teóricas, las obras de Martins de Melo abordan la pintura desde una perspectiva postcolonial que busca crear un diálogo entre pasado y presente para representar la eterna lucha por restablecer el orden y la paz en la sociedad. Subversiva por naturaleza, la obra de Martins de Melo busca crear una reflexión en el espectador a partir de un punto de vista crítico al representar diferentes perspectivas que abordan los abusos del poder y el autoritarismo a partir de la Conquista Española en Latino América. Influenciado por el misticismo y la preservación de las tradiciones prehispánicas, Martins de Melo busca conjurar una retribución social e histórica a través de sus radicales composiciones que se distinguen por un dominio técnico. Con un estilo que es tanto figurativo como expresionista, las pinturas de Martins de Melo reflejan una lucha interna por expresarse tanto espiritual como físicamente. Reconocido a nivel mundial por sus formatos monumentales, Martins de Melo revive la noción del muralismo con un enfoque social y un sentido de dimensión expansivo desde una perspectiva moderna que es capaz de experimentar con la animación digital y el ensamble de elementos. Martins de Melo ha participado en múltiples bienales internacionales y exhibiciones colectivas como “New Shamans” en la Rubell Family Collection (Miami, Florida), “Soft Power. Arte Brasil” en Kunsthal Kade (Amersfoot, Holanda), “The World Is Made Of Stories” en el Astrup Fearnley Museet (Oslo, Noruega), “Imagine Brazil” en la DHC Art Foundation For Contemporary Art (Montreal, Canadá) y “O Ponto De Ebulição” en PSM-Gallery (Berlín, Alemania). Su obra pertenece a colecciones institucionales como la del Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Viena, Austria), la Rubell Family Collection (Miami, Florida), la del Astrup Fearnley Museet (Oslo, Noruega), la del Museo de Arte de São Paulo (São Paulo, Brasil) y la del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (Oaxaca, México).

LOCAL
AGOSTO

ALDO ÁLVAREZTOSTADO

TOPOÉTICA

ALDO
ÁLVAREZTOSTADO

TOPOÉTICA




Topoética exploró el potencial poético de la toponimia mexicana. En una primera etapa, el artista seleccionó un centenar de nombres de pueblos y ciudades de la república partiendo de una apreciación semántica y fonética. En esta etapa se produjeron tres grupos de poemas: uno que indaga sobre la métrica clásica, otro que recupera fórmulas tradicionales de versos, y finalmente un grupo de composiciones libres. Una dimensión adicional del proyecto identifica una serie de topónimos de interés poético a partir de una exploración cartográfica tradicional y otra digital.

Durante la residencia en PAOS, el artista trabajó sobre los accidentes en la interpretación de nombres mesoamericanos y la presencia de la toponimia en la producción artística de mediados del siglo XX, en particular en el cine y la literatura. Para el estudio abierto, Álvareztostado reimaginó la Casa Taller de José Clemente Orozco como un territorio en el que descubrimos la belleza de la toponimia en medio de la oscuridad de una carretera que transitamos con los faros encendidos.



Aldo ÁlvarezTostado (Guadalajara, México)

La obra de Aldo Álvareztostado explora la idea de país, los códigos formales que le construyen en una escala política y cultural; y la confrontación entre un territorio preexistente y una tradición viva. Su práctica ha oscilado entre el arte, la arquitectura y el diseño utilitario. Egresado de la Escuela de Arquitectura del ITESO, confunda Mexicana de Arquitectura en 2010 y trabaja en él hasta su disolución en 2014. Funda el estudio de diseño utilitario piedrafuego en 2013, desarrollando objetos de la mano de maestros artesanos en Jalisco y Nayarit. Escritor invitado por la ICS al Festival de Cannes en 2014, 2016 y 2018. Su producción artística ha sido expuesta en el Museo Raúl Anguiano, el Laboratorio de Arte Jorge Martínez y Salón Acme; mientras sus proyectos de diseño se han exhibido en el Museo Tamayo, Antiguo Colegio de San Ildefonso y el Museo Amparo (Puebla). Vive y trabaja en Guadalajara y San Pancho, Nayarit.

#CRUCE
JULIO

DIANA CALDERÓN

VERBO TRANSITIVO

DIANA
CALDERÓN

VERBO TRANSITIVO




A lo largo de su residencia Diana Calderón desarrolló una pequeña instalación que explora el material (tela, hilo, estampa, performance) a través del pensamiento libre e intuitivo, abierto desde la conciencia del "estar presente". Su estudio puede describirse como un espacio transitorio visceral, de un "interior" de la artista. En este trabajo, Calderón se permite introspecciones, meditaciones y que su subconsciente se materialice; a través de materiales cómodos y familiares para ella crea piezas incómodas de articular.



Diana Calderón, (Chihuahua, 1981)

Su trabajo actual investiga sus raíces y cultura, cruzar fronteras físicamente o espiritualmente, explorando referencias de la arquitectura y arqueología. Cada obra que realiza significa alcanzar un reto, es documentación, o el resolver problemas de una manera creativa.

LOCAL
JUNIO

HUMBERTO RAMÍREZ

POR UNIR LO SEPARADO

HUMBERTO
RAMÍREZ

POR UNIR LO SEPARADO




Proyecto multidisciplinario que abordó el tema de los desaparecidos en México. El desarrollo del tema anclado a una imagen: el óleo titulado Driftwood de José Clemente Orozco.



Humberto Ramírez, (Guadalajara, Jalisco, 1982)

Humberto Ramírez, Guadalajara, México, 1982. Vive y trabaja en Guadalajara. Su trabajo reciente recurre a temas que según su planteamiento, modulan la conducta humana desde una lejanía primitiva. La relación hombre-naturaleza, la supervivencia y el juego, son tópicos con los que su trabajo apela a nociones como la dominación, la violencia o la trascendencia, que a su vez son asociaciones a la vigencia de la certeza de la mortalidad.

Su trabajo ha sido expuesto en distintos lugares de la República Mexicana así como en otras ciudades como Venecia (Italia), Miami (EUA), Fresno (EUA). Su trabajo fue seleccionado para las ediciones XVII y XV de la Bienal de Pintura Rufino Tamayo (2016 y 2012); y la XII Bienal FEMSA (2016). Recibió la beca Jóvenes Creadores del PECDA, Jalisco (2012 - 2013). Recibió la beca del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2010 -2011).

FORÁNEA
FEBRERO

MANDY EL-SAYEGH

ASSEMBLED AT TELL EL AJJUL

MANDY
EL-SAYEGH

ASSEMBLED AT TELL EL AJJUL




The Mistake Room is pleased to present the third exhibition of its TMR Guadalajara series in collaboration with PAOS. This iteration encompasses a new project by Malaysia-born, London-based artist Mandy El-Sayegh (b. 1985). The show marks the artist’s first solo exhibition in Latin America.

Mandy El-Sayegh: assembled at Tell el Ajjūl is a point of entry into a practice perhaps best understood as a conceptual genealogy. Michel Foucault once wrote that the body is an “inscribed surface of events (traced by language and dissolved by ideas), the locus of a dissociated self (adopting the illusion of a substantial unity), and a volume in perpetual disintegration.” A construct rather than a naturalized entity, the body Foucault conceives is at once a site, a subject, and an object—one that is acted upon by power and so is violently made and re-made. The task of genealogy—beyond familial origins—is in fact, Foucault argues, the exposing of this “body totally imprinted by history and the process of history’s destruction of the body.”

El-Sayegh’s practice both affirms and challenges Foucault’s conception of genealogy. For El-Sayegh, the body and history shape each other, and as they change, the residues they leave behind manifest as memory. The task of genealogy for El-Sayegh is then not just to expose a historical body or the epistemic violence that forges it discursively, but rather to trace its transformations—mobilizing memory as source material to assemble complex layered trajectories that connect charged personal stories to historical circumstances and broader philosophical structures. Through the formal logics of painting, sculpture, installation, and performance, El-Sayegh expands her own family history into urgent conversations about Palestine, Arab subjectivities, and the colonial projects that continue to sustain repressed subject positions.

Tell el Ajjūl, the place El-Sayegh’s project title references, refers to an ancient archeological mound in Gaza—a place, both real and mythical, that for El-Sayegh functions as a beginning—personally, historically, ideologically, and materially. Her father, born in Gaza, was imprisoned in Israel early in his life. His treatment in that prison led to him contracting a kidney infection that would impact the way the rest of his life would unfold. A chronic condition that otherly-abled him led to a continuous attempt to remake his body’s functions by cultivating distinct physical and mental strengths. Karate and then calligraphy became corporeal acts of resistance, and a practice of constant writing about history, politics, philosophy, and other topics, became a form of world-making—a way to connect his personal circumstances and beliefs to the order of things in the world at large.

Growing up with her father gave El-Sayegh the particular lexicon of images, language, and materials that we encounter in her work. Her work however is not contained by her autobiographical condition but rather contests a past that she did not experience directly but yet has inherited in a way through the stories, images, and behaviors she grew up around. El-Sayegh’s relationship to this past, as postmemory scholar Marianne Hirsch would state, is thus not mediated by remembrance, but rather by “imaginative investment, projection, and creation.”

The various works in progress presented in the space highlight some of the formal tactics through which El-Sayegh assembles rhizomatic systems that echo well beyond the biographical to comment on marked subjects consistently re-positioning themselves in the world. An immersive newspaper installation visually overwhelms viewers, saturating our lines of sight with information of the present day that is layered over each other, abstracted, transformed into signs and symbols that collectively lose specificity, becoming instead a type of white noise image that references the velocity through which information travels and our inability to grasp enough to make meaning. Layered on these sanctioned narratives are Arabic writings collected from El-Sayegh’s father and other imagery that provide alternate realities that counterbalance what we seem to know or be told about the world. The personal and universal collide here, in seemingly improvisational ways, although an underpinning existing logic provides a structure we aren’t always allowed to be aware of.

A third layer—one of objects—is partially assembled in the current installation. Made from found materials and personal items, these totems are meant to both contain and invoke. Functioning as what historian Pierre Norra once called lieux de memoire, or loci of memory, these compositions of clay, organic materials, photographs, source images, and charred latex construct a visceral visual language that bridges the biological and political. In them, we can infer about the types of intimacies they hold, but perhaps more importantly, we can project our own desires and fears onto them—using them to activate our own memories and in turn, become a part of a broader cosmology of concepts that El-Sayegh assembles. These reservoirs of ideas, given form as testimonial objects, do not comfortably fit within categorizations of sculpture, or at times, even artwork. Even their transport, across borders, shows how they often escape language. In two empty tables in the space, originally constructed to hold a composition of these objects that Mexican customs did not allow into the country due to their inability to classify them, a series of laminated forms show how they exist in a state of indeterminacy. The inability to describe or even prescribe what they are supposed to be and how they are supposed to function by the state apparatus speaks profoundly about the global movement of objects but also people and ideas.

In another component of the project, a series of large-scale two-dimensional works, bring El-Sayegh’s formal investigations into the space of painting. Incorporating signs and symbols that appear in her other works, el-Sayegh also brings layered images of historical bodies violently acted upon into the plane, and superimposes them with found images of bodies objectified, pleasured, and consumed. In works that take the medium of art that most comfortably circulates within market economies, the body is here represented as a consumable and expendable object that is always linked to a history that belongs to all of us and no one.

These distinct conceptual bodies of work together form an archipelago that is keenly aware of its existence as a structure—as a spatial project—meant to be inhabited, traversed, disassembled, and reconstructed. This, if imagined as a body, opens up possibilities to think about subjectivity as situational and assembled—returning to the subject a particular kind of agency in how it exists, is defined, and represented. The potential of this, for El-Sayegh, but more broadly, for her generation of peers, is a renewed discourse about subjectivity after the death of essentializing subjecthood.

Mandy El-Sayegh: assembled at Tell el Ajjūl is organized by The Mistake Room and curated by Cesar Garcia, TMR’s Executive and Artistic Director.



Mandy El-Sayegh

La práctica basada en la investigación de Mandy El-Sayegh se deriva de un interrogatorio de la relación de la parte a la totalidad en los campos de la ciencia y la filosofía. Trabajando a través de la pintura, la instalación, el dibujo y la escritura, aborda el desglose de los órdenes sociopolíticos, económicos y semánticos, mientras que también explora las capacidades poéticas y lingüísticas de los códigos fragmentados. Su trabajo ha sido presentado en exposiciones individuales y grupales como Sharjah Biennial 13: Tamawuj (2017); Participando, Galeria Nicodim, Bucarest (2016); este es un signo, Carlos / Ishikawa, Londres (2016); Room Ser- vices, Feria del Libro de Arte de Nueva York, MoMA PS1, Nueva York (2016); RCA Painting Degree Show, Royal College of Art, Londres (2010) y Mash Experience, Oxford Street, Londres (2007). El-Sayegh recibió una licenciatura en Bellas Artes de Medios Mixtos de la Universidad de Westminster, Londres (2007) y una Maestría en Pintura del Royal College of Art, Londres (2009). Nacida en 1985 en Selangor, Malasia, actualmente vive y trabaja en Londres.

FORÁNEA
FEBRERO

MIKI LEAL

ABIERTO ABIERTO

MIKI
LEAL

ABIERTO ABIERTO




Como parte del proyecto ABIERTO ABIERTO, es un proyecto de intercambio artístico entre Open Studio Madrid (Asociación Open Mind Arte y Cultura) y PAOS GDL, que se realiza en busca de interacción, colaboración y discusión entre artistas españoles y mexicanos, y en general de abrir una plataforma de diálogo y reflexión cultural y crítica, entre las escenas del arte de España y México. A partir de un plan de residencias internacionales, Abierto- Abierto propone abrir otros espacios de trabajo y proyección desde la socialización de los procesos de investigación y producción de artistas, trabajando desde sus propios contextos y como visitantes en otras plataformas.

Este proyecto arranca en 2018 con la participación de los artistas Carlos Aires y Miki Leal (España) y Octavio Abúndez e Isa Carrillo (México), quienes han sido seleccionados por los organizadores para este programa piloto.



Miki Leal (Sevilla, 1974)

Miki Leal es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Siempre ha utilizado el papel como soporte de sus trabajos, en los que a través de una personal figuración abstracta con tintes pop y oníricos. A lo largo de su carrera a expuesto tanto en galerías (F2 Galería, Galería Rafael Ortíz, Galería Fúcares, Galería Magda Bellotti, entre otras); en museos españoles (Centro Andalúz de Arte Contemporáneo, MUSAC, Artium…); como en galerías internacionales (Track 16 Gallery, Santa Mónica, USA; Galerie Maribel López, Berlín, Alemania…). Sus obras forman parte de importantes colecciones nacionales e internacionales

FORÁNEA
FEBRERO

CARLOS AIRES

ABIERTO ABIERTO

CARLOS
AIRES

ABIERTO ABIERTO




Como parte del proyecto ABIERTO ABIERTO, es un proyecto de intercambio artístico entre Open Studio Madrid (Asociación Open Mind Arte y Cultura) y PAOS GDL, que se realiza en busca de interacción, colaboración y discusión entre artistas españoles y mexicanos, y en general de abrir una plataforma de diálogo y reflexión cultural y crítica, entre las escenas del arte de España y México. A partir de un plan de residencias internacionales, Abierto- Abierto propone abrir otros espacios de trabajo y proyección desde la socialización de los procesos de investigación y producción de artistas, trabajando desde sus propios contextos y como visitantes en otras plataformas.

Este proyecto arranca en 2018 con la participación de los artistas Carlos Aires y Miki Leal (España) y Octavio Abúndez e Isa Carrillo (México), quienes han sido seleccionados por los organizadores para este programa piloto.



Carlos Aires (Ronda, 1974)

Vive y trabaja en Madrid, España. Carlos Aires es un artista visual y fotógrafo andaluz que en sus instalaciones, videos y fotografías a contracorriente, distintas, felices, abiertas y provocadoras de inquietudes intenta comprometer y cuestionar la realidad, aburrida y marcada por la pauta que la historia de los buenos nos quiere mostrar. Carlos Aires está licenciado y doctorado en Bellas Artes por la Facultad Alonso Cano de Granada, y realizó el Master of European Arts and Cultures de la Leicester University y la Fontys Academy de Tilburg. Una vez concluida su licenciatura prorrogó su estancia en Holanda gracias a una de las Becas Manuel Rivera para la ampliación de estudios artísticos en el extranjero, que le concedió la Diputación de Granada en el año 2000. Mientras estaba en Holanda fue becado por el Atelier del De Pont Museum de Tilburg, donde trabajó como montador de exposiciones mientras ejercía en paralelo de asistente del escultor holandés Guido Geelen. De 2001 a 2003 amplió estudios en el Hisk de Amberes y al año siguiente se trasladó a Columbus (Ohio, EEUU), para cursar el Master in Photography de The Ohio State University.

Como reconocimiento a su trabajo, ha recibido diversos premios, comenzando con el Primer Premio Jóvenes Creadores Malagueños (1998), siguiendo con la Beca Manuel Rivera de la Diputación de Granada (2000), el Premio De Pont Foundation (2001), el premio Joven Autor Andaluz de Caja San Fernando (2001), la Beca Fulbright del Ministerio de Educación y Ciencia (2003), el Premio Jóvenes Creadores Andaluces del Instituto Andaluz de la Juventud (2004), el Prix de la Jeune Peinture Belge (2005) y el Primer Premio Generación 2008 de Caja Madrid. Aires posee obra en las colecciones permanentes de Artium de Vitoria, el Instituto Andaluz de la Juventud, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, el National Belgium Bank, el museo Arter de Estambul y el museo Mak de Viena, entre otras instituciones.