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PROGRAMA
DE RESIDENCIAS:




El programa de residencias de PAOS invita a artistas (nacionales e internacionales) a vivir y trabajar en el Museo Taller José Clemente Orozco durante 4 semanas.

Este programa ofrece total libertad creativa a lxs artistas y fomenta la permeabilidad del entorno como parte de los procesos de investigación. Cada artista realiza una intervención al Museo Taller José Clemente Orozco, y explora la naturaleza de su propio trabajo frente al contexto artístico actual. Al concluir, hace una apertura de estudio en donde comparte su proceso y resultados al público.

PAOS Residencias se enfoca en el cruce entre producción artística y programas formativos. Lxs artistas residentes desarrollan un proyecto expositivo y también enriquecen el programa educativo a través de talleres, clínicas, charlas o master classes; involucrándose con la comunidad y la escena artística local.



#CRUCE
26 DE JUNIO AL 30 DE JULIO

ESTRELLA PAYTON

CAMINAR, PENSAR, CONSTRUIR

ESTRELLA
PAYTON

CAMINAR, PENSAR, CONSTRUIR




Descripción de proyecto



Estrella Payton

Estrella Payton es una artista interdisciplinaria que reside en Phoenix, Arizona. Le interesan las interacciones entre personas en espacios determinados. Su motivación se enfoca en las relaciones de poder y el privilegio, las condiciones culturales y sistémicas y la inequidad que ha vivido. Realiza instalaciones que complican los espacios físicos y guían al espectador a la ver otra perspectiva de los espacios institucionales.

Su trabajo explora el uso de materiales de construcción, espacios, el movimiento y la abstracción, la realización de mapas, texto, collage y experiencias centradas en el espacio.

LOCAL
JULIO

OLGA GUTIÉRREZ

¿CÓMO PONER EL CUERPO?

OLGA
GUTIÉRREZ

¿CÓMO PONER EL CUERPO?




¿Cómo poner el cuerpo? Es un proyecto de investigación y creación 2017-2021 de la creadora de artes vivas Olga Gutiérrez. En su residencia en PAOS trabajó a partir de prácticas artísticas de la presencia y diferentes estrategias de representación usando el cuerpo y la intermedialidad.

Esta residencia se dividió en dos momentos:

-Trabajo individual en torno al cuerpo autobiográfico y la representatividad a partir de la práctica de la intermedialidad.

-Trabajo en grupo a través de un laboratorio para el cual se convocó a la comunidad tapatía interesada en explorar la performatividad del cuerpo en el espacio social, centrándonos en la manifestación. ¿cuáles son las premisas que producen ésta performatividad? ¿cómo pueden desplazarse al ámbito del arte del cuerpo, la instalación y el arte público?



Olga Gutiérrez

Creadora, investigadora y artista/gestor de artes vivas. Se ha formado entre México y diferentes países de Europa central. Ha trabajado con directores de países como Polonia, Francia, Canadá y México. Ha presentado su trabajo en países como México, España, Francia, República Checa, Uruguay, Colombia, Argentina y Brasil. Ha sido beneficiada por fondos nacionales como Fondo Nacional para la Cultura y las Artes e internacionales como IBERESCENA, Principe Clauss, Prodanza (Argentina) y PICE (España). Actualmente se encuentra en creación de su trilogía 2017-2020 titulada CÓMO PONER EL CUERPO con las obras Fantasma (2018), Monumento (2019) y Hernández (2020) la cual iniciará este 2017 con dos residencias de creación en el programa de residencias PAOS y plataforma MURA en Fresno. Estrenará en Sao Paulo (Brasil) la obra ESTADO DE EMERGENCIA una coproducción con la agrupación mexicana Makinga de Turing y la agrupación brasileña Cena11 subvencionada por IBERESCENA, Red INBA, SESC SP y Cena11. Trabaja con la agrupación alemana SHIFTS para la producción de la obra Making Haste Slowly a estrenarse en el Museo Universitario del Chopo en Noviembre.

En 2015 estrenó la obra Diente de Oro en el marco del festival Salmón del Mercat de les Flors en Barcelona (España), en una co-producción México-España. Realizó el proyecto de investigación escénica titulado Me he puesto a quemar los cuerpos en Montevideo (Uruguay), San Luis Potosí (México)

LOCAL
JUNIO

GUILLERMO GUARINO

TEMBLOR NERVIOSO

GUILLERMO
GUARINO

TEMBLOR NERVIOSO




En este proyecto, Guillermo Guarino centró su técnica en el reciclaje de papel para a través de él entablar una analogía sobre nuestro momento social. Mostró el trabajo y proceso del reciclado en distintas estructuras y modelos. Tomó el desecho de la comunicación visual para revertir su proceso: volverlo amorfo, viscoso y tangible.

En un esfuerzo por reconocer el desperdicio, hacerlo presente y digerirlo, habiendo asimilado su contenido para convertirlo en algo que no representa nada, que solo es.

"Por que el ambientalismo es artificial y el posmodernismo es lo natural"



Guillermo Guarino

Su materia prima es la comunicación visual de volantes, el póster y los carteles. Esa clase de mensajes efímeros que en su obra revierten sin sentido: se vuelven amorfos, viscosos, sin color, Ya no representan nada sino su forma misma. No transmiten algo, son el mensaje mismo

LOCAL
FECHA

MÓNICA NEPOTE

ESCRIBIR CON LAS MANOS, CON EL CUERPO,
CON LA RESPIRACIÓN

MÓNICA
NEPOTE

ESCRIBIR CON LAS MANOS, CON EL CUERPO,
CON LA RESPIRACIÓN








Mónica Nepote (Guadalajara, Jalisco)

Es poeta, ensayista y editora. Autora de los libros: Trazos de noche herida (Fondo Editorial Tierra Adentro, 1993), Islario (Filodecaballos, 2003) y Hechos diversos (Ediciones Acapulco 2013). Explora la relación entre cuerpo, libro, escritura y voz a través de la edición, la escritura y el performance.

FORÁNEA
ABRIL

EAMON ORE-GIRON

EAMON
ORE-GIRON




La obra de Eamon Ore –Giron abrió una conversación entre formas que no pertenecen al tiempo de una cultura específica pero que contienen nostalgia de cuando las formas indígenas, modernas, y futuristas funcionaron y reflejaron una lengua de las esperanzas sociales.



Eaomon Ore-Giron

Diseñador gráfico, pintor, escultor y realizador de video Recibió un BFA de San Francisco Art Institute (1996) y un MFA de la Universidad de California, Los Ángeles (2006).

Ha tenido exposiciones individuales en LAX ART, Los Angeles (2015); Nicelle Beauchene Gallery, Nueva York (2014); MUCA ROMA, Ciudad de México (2006); Queen's Nails Annex, San Francisco (2005) y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia (2005). Su trabajo ha sido incluido en las exposiciones grupales en el Whitney Museum of American Art; El Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; El Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México; Prospect 3, Nueva Orleans; El Museo de Arte Pérez, Miami, y Proyectos Deitch, Nueva York.

El trabajo de Ore-Giron ha sido cubierto en The New York Times, Foro de Arte, ANP Quarterly y SFAQ, entre otras publicaciones. Eamon Ore-Giron tiene su sede en Guadalajara, México, Nueva York y Los Ángeles.

NACIONAL
ABRIL

TANIA CANDIANI

LA BUENA VIDA
Y LA FIESTA DE LOS INSTRUMENTOS

TANIA
CANDIANI

LA BUENA VIDA
Y LA FIESTA DE LOS INSTRUMENTOS




Esta instalación surgió de un taller intensivo de discusión y pensamiento entre Tania Candiani y artistas locales que derivaron en un conjunto de objetos escenográficos movibles que toman como referencia el mural de La Buena Vida y La Fiesta de los Instrumentos del artista José Clemente Orozco, objetos que cobraron vida mediante un desfile-coreografía en la escultura “La gran puerta” de Fernando González Gortázar y que se exhibieron en la sala principal del Museo José Clemente Orozco.



Tania Candiani (Ciudad de México, 1974)

Con una extensa trayectoria en México y a nivel internacional, el trabajo de Tania Candiani se ha desarrollado en diversos medios y prácticas que mantienen un interés por la compleja intersección entresistemas de lenguajes fónico, gráfico, lingüístico, simbólico, tecnológico.

En la obra de Tania Candiani existe una nostalgia por lo obsoleto que busca hacer explícitos los contenidos discursivos dentro de símbolos, artefactos y materiales textuales. Así, a través de la exploración de elementos como: el sonido, las palabras, los diagramas o las máquinas, la artista recrea traducciones únicas que potencian las posibilidades de sus lenguajes, generando diversas combinaciones de sentido y expresión. En los últimos años, Tania Candiani ha realizado colaboraciones interdisciplinarias entre el arte, el diseño, la arquitectura y la ciencia, sin disipar su interés por apuntar al encuentro poético entre los mismos. A partir de estas colaboracion es, sus obras desarrollan proyectos a gran escala donde explora las posibilidades de la tecnología (Órgano y Plataforma Sonora, 2011), las investigaciones tecnológicas con respecto al tiempo (La Magdalena,2014), al sonido (Serendipia,2013) y sobre mecanismos con respecto a la narración (Lecturas de Corrido,2010). En éstas obras se materializa el pensar de la artista sobre lo técnico y científico, así como nuestra relación con las tecnologías, y la historia detrás de las mismas para la producción de conocimiento.

FORÁNEA
FEBRERO-MARZO

CHRISTOPHER MYERS

FLAGS OF NO NATION

CHRISTOPHER
MYERS

FLAGS OF NO NATION




La primera pieza, titulada "I Am Not a Human Being", fue producida a través de una colaboración entre Myers y un grupo de vietnamitas que bordaron con él mientras ocasionalmente escuchaban canciones de Lil’ Wayne. La complejidad lingüística de las letras de las canciones, envueltas por la simplicidad de sus juegos de palabras, fue traducida hacia imágenes y en cada puntada, a través de signos y símbolos enlazados a una cultura específica y a la vez lo suficientemente fluida para provocar distintas interpretaciones en los espectadores. La segunda pieza, "Vxllrncgnt", toma las banderas de Asafo hechas por las personas Fante en Ghana como un punto de partida; estas banderas dan un sentido figurativo a los proverbios de los dichos endémicos de los Asafos, o de los clubs sociales/militares que tienen su origen a la Europa colonial, cuando naciones occidentales usaban las banderas para proyectar su dominación y poder.

Christopher Myers: Flags of No Nation fue curada por Cesar Garcia, director de TheMistakeRoom y jefe curatorial. Esta exposición fue la primera del artista en Latino América.



Christopher Myers

Christopher Myers, es un artista y escritor que reside en Nueva York y se ha dedicado a intentar transformar nuestro entendimiento sobre la globalización y las múltiples realidades que esta crea. Hace un enfoque en el tejido de intimidades críticas y las acciones cotidianas a través de las cuales la globalización es vivida, articulada, performada y hecha táctica.

LOCAL
FEBRERO

CRISTIAN FRANCO

EL ODIO A LA MÚSICA

CRISTIAN
FRANCO

EL ODIO A LA MÚSICA




El proyecto consistió en la traducción e interpretación de obra sonora a lo gráfico por medio de una serie de dibujos en distintos formatos y técnicas, basados en la composición musical de temas utilizados en distintos tiempos coyunturales de la sociedad donde la música fungió como instrumento de manipulación social e ideológica, y que se utilizó con el fin de torturar o como soundtrack de una tragedia.

“Desde eso que los historiadores llaman ´Segunda Guerra Mundial´, desde los campos de exterminio del Tercer Reich, ingresamos en un tiempo donde las secuencias melódicas exasperan. En todo al ámbito terrestre, y por primera vez desde la invención de los instrumentos, el uso de la música se ha vuelto coercitivo y repugnante. Amplificada hasta el infinito por la invención de la electricidad y la multiplicación de su tecnología, se volvió incesante, agrediendo noche y día en las calles comerciales de las ciudades, las galerías, los pasajes, los supermercados, las librerías, los cajeros donde se retira dinero, hasta en las piscinas, hasta a orillas del mar, en los departamentos privados, en los restaurantes, en los taxis, en el subte, en los aeropuertos. Incluso en los campos de muerte.

La música es la única entre todas las artes que colaboró en el exterminio de los judíos organizando por los alemanes entre 1933 y 1945, solicitada como tal por la administración de los Konzentrationlager. Hay que subrayar, en detrimento suyo, que es la única que pudo avenirse con la organización de los campos, del hambre y la miseria, del trabajo, del dolor, de la humillación y de la muerte. La frase 'odio a la música' quiere expresar hasta qué punto la música puede volverse odiosa para quien la amó por sobre todas las cosas.”
Pascal Quign



Cristian Franco

Cristian Franco Martin (Tecate B.C. México, 1980), vive y trabaja en Guadalajara Jal. Realizó sus estudios en la escuela de Artes Visuales de la Universidad de Guadalajara (1998-2002) y en la Escuela Superior de Arte en la Habana Cuba (2000). Ha participado en múltiples exposiciones colectivas, entre las que se encuentran:

Border Disorder, San José Museum of Art, (CA, 2016), Modernidad Pirateada, Museo del Chopo, (Ciudad de México, 2016), Destroy all your humanity. GH-E, Mistake Room, (L.A, 2016), “Reconstrucción”, Museo de Arte de Zapopan, (Jal; Mex. 2016), La llamada del dios extraño II, MUPO (Oaxaca, 2015), La llamada del dios extraño, Galería PÀRAMO, (Guadalajara Jal; 2014), Living as form (the nomadic versión), Museo de Arte de Sinaloa; (Culiacán 2014); Soucasne Mexicke Video, (1996-2012), Meet Factory, (Praga, Rep. Checa 2014); Tinnitus y Fosfenos, Museo de Arte de Zapopan; (Zapopan, Jalisco 2013); Cannibalism in the New World, Vincent Price Art Museum, ( L.A. California, 2013), Arte y Política, El Cubo, Centro Cultural Tijuana ( Tijuana B.C. 2012); Everything must go’, Galería Casey Kaplan ( Nueva York, Estados Unidos, 2011); Festival Tránsitio, MX 04, Círculos de Confusión: Caos Social y Ficciones Dominantes, Centro de la Imagen (México D.F. 2011); Evidence Of Absence, Galería Death by Kind (Melborne, Australia, 2011); MexiCali Bienal, Galería Ben Maltz ( Los Ángeles, Estados Unidos , 2010); Efecto Drácula, Museo del Chopo (México D.F., 2010); Vacíos urbanos, Trienal de Arquitectura ( Lisboa, Portugal, 2008); Standing on one foot, Triangle Project Space ( San Antonio Texas, Estados Unidos, 2007); Performances et performancesvideo, Points d’ Impact (Geneve Suiza ,2005); México Illuminado, Albrigtht Collage ( Reading, Pensilvanya, Estados Unidos, 2003). De manera individual ha presentado : The Manna Machine, Museo de Arte Zapopan, (Jal; Mex. 2016) Primera Bienal de Video Flyer, Bikini Wax (México D.F. 2015 ), El Negro Nirvana, Galería PÁRAMO , (Guadalajara Jal. 2014); Víctor Huerta, Museo de Arte Carrillo Gil, ( Gabinete de video, México D.F. 2012 ); El Respeto al derecho ajeno es la capacidad para el organismo animal, Museo de Arte de Sinaloa (Culiacán, Sin. México, 2012); Rural Kaos, Galería Curro y Poncho (Guadalajara, Jal. 2009); Greatest Hits, Clemente Jacqs Laboratorio, Guadalajara Jal. 2005). Recibió la Beca de Jóvenes Creadores del FONCA (2010-2011 y 2013-2014), y la beca jóvenes creadores PECDA en las emisiones (2008-2009 y 2000-2001). Sus piezas forman parte de la Colección Jumex, Colección Gilberto Charpenel, Colección Diéresis, Luciano Benetton entre otras.

LOCAL
FEBRERO

CÍA. LA GÜERA

LA BUENA VIDA II

CÍA.
LA GÜERA

LA BUENA VIDA II




Este proyecto se realizó mediante 2 mesas de discusión entorno al concepto de las Artes Vivas.



La Güera

La Güera es una compañía dedicada a la creación de artes en vivo, surgida en el 2016 con la colaboración de Michel Alzaga, Carola Galindo y Temoc Camacho. Actualmente se encuentran desarrollando un proyecto llamado “la güera traía peluca” el cual se desarrolla mediante la investigación y puesta en práctica de dos conceptos, en los que el filósofo López Petit ubica la idea de la resistencia; Anomalía y la​ Huida, presentados ​ mediante una serie de dispositivos: performáticos, instalación y de transmisión de información los cuales se presentan en diferentes etapas del proceso. entre otras.

LOCAL
ENERO

XEL-HA LÓPEZ

ENTENDIMIENTO

XEL-HA
LÓPEZ

ENTENDIMIENTO




Entendimiento fue un proyecto que abordó el concepto de traducción desde el valor esencialmente matérico del lenguaje. Comprendiendo traducción como un acto que, en el intento de universalizar el entendimiento, termina siempre dejando algo oculto: elementos sociales, políticos o culturales, que determinan el valor de una lengua. En tanto que todos estos parecen tomar cierta distancia del objeto primordial de traducir: procurar el entendimiento entre los individuos. El proyecto constó de la realización de una serie de piezas en acero y papel, material que caracteriza el trabajo de imprenta y, a su vez, la escritura.



Xel-Ha López (Guadalajara, 1991)

Estudió Letras en la Universidad de Guadalajara. Cursó el taller de Apreciación Cinematográfica con Daniel Varela. En 2013 recibió la beca Jade-Lleida para un intercambio académico en la Universitat de Lleida, España. Fue seleccionada en el Curso de Creación Literaria en 2011 y 2012, convocado por la FLM (Fundación para las Letras Mexicanas). Asistió al taller de Creación de títeres con Ignacio Larios. Desde 2009 forma parte del Antitaller de poesía Cesar Vallejo con el poeta Raúl Bañuelos. En 2016 asistió al taller para artistas emergentes Cacofonía de sombras, acumulación y creación con Isa Carrillo y Cynthia Gutiérrez, además de cursar el Seminario de Crítica Avanzada impartido por César García en el marco de THE MISTAKE ROOM GDL.

LOCAL
JUNIO

JAVIER M. RODRÍGUEZ

WIDE

JAVIER
M. RODRÍGUEZ

WIDE




Para su proyecto en PAOS, Javier M. Rodríguez propuso darle continuidad a una serie de experimentaciones con video y perspectivas del espacio y realizó una videoinstalación de sitio especifico que dialogaba con la arquitectura de la Casa Taller José Clemente Orozco.

A partir de una amplia cantidad de encuadres y vistas que se generaban desde el ventanal del patio, Rodríguez realizó una serie de videos que constituyen un extenso catalogo de diversos tiempos del espacio. Concebidos cada uno de ellos como pequeños pedazos de tiempo, en la videoinstalación estos fueron proyectados sobre las mismas ventanas que les dieron origen, convirtiendo los vidrios en pequeñas pantallas de proyección. Estas eran alternadas de forma arbitraria con espejos y vidrios comunes, creando una multiplicidad de imágenes en movimiento orquestada por el artista sin obedecer ningún orden lógico.



Javier M. Rodríguez

Javier M. Rodríguez vive y trabaja en Guadalajara. A lo largo de los últimos tres años, Rodríguez se ha enfocado en la producción de video instalaciones de sitio específico en donde el espacio es articulado de acuerdo al ritmo y tiempo de la imagen en movimiento que lo ocupa. Por medio de la traducción, el espacio es medido y reconfigurado por unidades de tiempo y la experiencia cinematográfica es expandida hacia una escala uno a uno con el espectador.